Легендарный струнный секстет «Воспоминание о Флоренции» стал ярким музыкальным событием в греческой столице в начале февраля. Наряду с другими музыкальными произведениями один из шедевров позднего Чайковского прозвучал в концертном зале «Парнассос», где собрались на 50-летний юбилей друзья, родные и поклонники творчества известного греческого виолончелиста Христофора Мирошникова, лауреата первых премий международных конкурсов в Европе и Америке. Юбилейный концерт при поддержке друзей-музыкантов, с которыми юбиляр сотрудничает на протяжении многих лет, был организован Международным Художественным Союзом «Муза», основанным его родителями более 20 лет назад и ставшим делом жизни музыкальной четы Мирошниковых, который теперь возглавляет Христофор.

«На сцене у исполнителя должен быть золотой баланс между контролем и вдохновением»

Христофор Мирошников

— Прежде всего, с наилучшими пожеланиями позвольте поздравить Вас с прошедшим юбилеем, который стал поводом для такого знакового музыкального события с концертной программой, столь разнообразной как по исполнительскому составу, так и выбору редких в исполнении произведений. Впечатлениями о концерте и своем юбилее поделитесь?

— Хотел бы поблагодарить всех, кто стал причастен к такому замечательному поздравлению и очень памятному для меня подарку. Это и родители — соорганизаторы концерта и музыканты с мировым именем Алексей и Наталья Мирошниковы, и супруга Мария, которая вела концерт, и конечно, коллеги и друзья-музыканты, которые подарили такую профессиональную радость и возможность прожить эти счастливые минуты в исполнительском и организационном наслаждении.

Хотелось бы выделить участие в концерте известной пианистки  Доры Бакопулу, которая является организатором фестиваля на острове Эгина и недавно  получила президентскую награду за вклад в культуру Греции; а также скрипачей-виртуозов с мировым именем Наташи Корсаковой и Манрико Падовани, специально прибывших на концерт из Швейцарии; известной греческой оперной певицы Марии-Илианы Кацуры; концертмейстеров скрипки, альта и виолончели из Госоркестра Греции и оркестра национальной оперы Илиаса Сдукоса, Никоса Мандиласа, Кристалии Гайтану и Никоса Кавакоса; а также известных греческих пианистов Попи Малапани, Манолиса Папасифакиса и Элены Хунта.

Особенно порадовало  выступление ансамбля виолончелистов — моих студентов из «Эратио Одио» — в составе Эры Хатзари, Майи Сакеллион, Константиноса Ксанфопулоса и Лены Рота, которое стало очень трогательным подарком для меня.

И, конечно, отдельная благодарность греческому композитору Леонидасу Канарису за сочиненное специально для юбилейного концерта произведение на тему “Happy Birthday”, прозвучавшее в завершение.

Значимым и бесценным подарком останется для меня награждение почетным призом «Золотая Муза Эвтерпа» за яркую исполнительскую и педагогическую деятельность, который вручила проф. филологии Ирина Багдасарова, стоявшая у истоков Международного музыкального конкурса «Муза» в числе соорганизаторов на Санторини. Эту награду учредили к 20-летию Международного Художественного Союза «Муза», и, конечно, очень трогательно стать первым ее обладателем. Это очень яркие и запоминающиеся впечатления.

Но самым лучшим подарком для любого исполнителя остаются зрительские аплодисменты. Всю свою любовью к музыке исполнитель с благодарностью адресует зрителю. Лучшая награда – это полные залы, особенно тех зрителей, которые хотят продлить этот диалог с исполнителем. Именно для них концерт записан популярной звукозаписывающей студией Subways Music. Ведь никакие впечатления не смогут передать то, что лучше услышать и пережить самому.

— Пользуясь случаем, спешим поздравить с юбилеем и Художественный Союз «Муза». Двадцать лет — серьезный возраст для любой организации. Расскажите в двух словах о главном проекте и самых ярких для вас его вехах.

— Главный проект Союза — это Международный музыкальный конкурс «Муза» (The Muse) с очень широкой географией, в котором за время его существования приняли участие более 4000 молодых музыкантов из 96 стран и четырех континентов. Конкурс с каждым годом набирает популярность, вызывая определенный интерес даже у тех, кто уже единожды стал лауреатом и был отмечен какой-либо наградой. К нам повторно возвращаются лучшие из лучших, чтобы разделить радость участия в ежегодном праздничном концерте победителей, для проведения которого помимо традиционных концертных — выбираются и оригинальные для исполнения залы. В числе таких незабываемых концертов можно выделить выступление лауреатов в центральном выставочном зале музея Акрополя. Это был очень трогательный концерт в новом интересном формате, где для приглашенных гостей были организованны сидячие зрительские места, а великолепным исполнением победителей года могли наслаждаться еще и туристы, которые просто приобрели в этот день билеты в музей. Это очень вдохновенно и атмосферно. Не менее ярко проходил концерт победителей другого года и в Византийском музее.

Успешная работа оргкомитета конкурса The Muse, направленная на поиски, поддержку и продвижение талантливой молодежи, получила свое признание и высокую оценку в лице  лауреатов нашего конкурса, которые играют сегодня по всему миру на сценах лучших концертных залов, а также получают высшие награды на разных других международных музыкальных конкурсах.

Конечно, как и всему миру, нам пришлось пережить малопродуктивный ковидный период, во время которого отменялись концерты, не говоря уже о торжестве дефицита вдохновения. Мы относительно легко прошли этот период, поскольку  еще в 2014 году был запущен онлайн конкурс eMUSE, и в каком-то смысле период мирового онлайн формата мы встретили подготовленными. Тем не менее, можно отметить и некоторые плюсы ковидного заточения, поскольку у многих появилось достаточно времени, чтобы обратиться к новым интересам, в том числе и к музыке.

Конечно, нас не может не радовать возрастающий в мире интерес к классической музыке, и, приветствуя такое увлечение, сегодня Конкурс открыт для всех, даже для любителей, обратившихся к музыкальным инструментам. Конечно это отдельные от профессионалов категории, которые имеют и возрастную градацию. С условиями Конкурса в 2024 году можно ознакомиться на сайте themuse.gr, где уже открыта платформа для приема заявок.

  — Что нужно знать о диалоге со зрителем участникам Конкурса и особенно лауреатам, которым предстоит выступление в концерте победителей года?

— Для музыканта выйти и сыграть для публики – это кислород, без которого не сможешь дышать. Если не чувствуешь «дыхание зала», то  умаляется тот энергетический заряд, который возникает в совокупности от хорошего зала, его наполненности, ожидания публики и, соответственно,  нарушается тот энергообмен, в котором исполнитель, прочувствовав и поняв замысел композитора, должен передать его зрителю. Если удается донести до слушателя авторский замысел, значит — диалог состоялся.

Если вы пришли на концерт и вам скучно, то вы не виноваты в том, что вы не большой знаток классической музыки. «Виноват», по моему мнению, в первую очередь исполнитель, который просто не донес до вас главные смыслы, он просто говорил с вами на другом языке, и поэтому вы ничего не поняли и в результате заскучали.

— А диалог должен быть непрерывным? Ведь нередко музыкант на сцене «уходит в себя» и находится в каком-то особом измерении, пока не доиграет. А зритель продолжает слушать и все равно воспринимает музыку. Это такие свойства музыки, как инструмента воздействия и божественного дара человечеству, благодаря чему диалог продолжается?

— Я бы относил такие фразы как «я весь в музыке, и никакой потоп меня не отвлекает» больше к слушателю, чем к исполнителю. Зритель может быть увлечен настолько, что он действительно может оказаться в каком-то другом измерении. И со мной такое было на одном концерте, когда слушал произведения Рихарда Штрауса. Это не Иоганн Штраус, который вальсами прославился, а Рихард Штраус, который гораздо более сложную музыку писал. И речь идет о знакомом мне произведении «Так говорил Заратустра», которое длится порядка пятидесяти минут. Это гениальная вещь, великолепная, но очень сложно ее дослушать до конца без специального настроя. И вот я с правильным настроем прихожу на концерт, как вдруг все закончилось, по моим ощущениям, буквально за каких-то минут десять. А на самом деле так сыграли, так увлекли меня, что я не заметил, как быстро время для меня просто пролетело.

В похожей ситуации я оказался однажды и на сцене, мне было 15 лет, когда состоялось первое мое выступление в Большом концертном зале Московской консерватории. Для российского музыканта сцена Большого зала – это, можно сказать, вершина музыкальных амбиций и желаний. Мой первый выход на такую сцену был настолько волнительным, что я не понял и не помнил, как сыграл Концерт №1 Сен-Санса для виолончели с оркестром, который для меня пролетел за три минуты. Можно, конечно, интерпретировать, что я там улетел куда-то в другое измерение, но для профессионала, я думаю, что это плохо. Потому что ты должен контролировать ситуацию, у тебя должен быть примерно такой же контроль, как у водителя автомобиля, когда ты просто обязан контролировать, куда ты едешь.

На сцене должен быть некий идеальный баланс между контролем и вдохновением, когда ты можешь увлеченно исполнять музыку. В идеале должна быть золотая середина. Когда у тебя полный контроль и нет вдохновения – это другая крайность, это жуть – и играешь плохо, и сам не доволен, и зритель сразу чувствует эти вибрации. И наоборот, когда только вдохновение и никакого контроля – это может сказаться и на технике исполнения, и на качестве игры.

— Сейчас появилось много новых записных форматов, в которых исполнитель играет для какого-то неведомого зрителя, а здесь диалог присутствует?

— Действительно, в новых постковидных реалиях исполнитель играет для неведомого зрителя, который щедро «лайкает», зачастую даже не дослушав произведение. Но для исполнителя, мне кажется, такой диалог остается незавершенным, а фраза недосказанной. Писать музыку для будущих поколений, наверное, уместно, как и в литературе — писать для будущего читателя. Но я не уверен, что это допустимо для музыканта в исполнительском плане. Диалог с залом необходим, прежде всего, исполнителю, поэтому мы придаем большое значение организации концерта по результатам Конкурса.

— Вы играли в разных залах мира, а диалог со зрителем был одинаковый? Как он выстраивается?

— Диалог одинаковый, он выстраивается через музыку, в которой критерии национальных границ условны, и для понимания музыки Чайковского или Шостаковича не имеет значения, носителем какого языка ты являешься, или к какой идентичности относишь себя. Сама музыка, выбор автора — это определенная тема, на которую ты разговариваешь со зрителем.

— Как происходит выбор произведения или композитора для участия или составления концертной программы?

— Профессиональному музыканту выбирать приходится не часто, многое зависит от организаторов концерта и еще от разных других факторов. Иногда просят играть определенную программу, иногда предлагают выбрать самому с учетом пожеланий ограничивающего толка, как то, чтобы произведение было короткое или не слишком сложное, или еще что-нибудь в этом роде.

Мне самому, например, пришлось попросить ведущих исполнителей Греции ограничиться условными пятью минутами при выборе произведений на свое усмотрение для моего юбилейного концерта. Единственное, о чем я настоятельно попросил ребят, — сыграть в завершение секстет Чайковского. Пришлось приложить усилия, чтобы он прозвучал. Конечно же, любая программа, продумывается, но благодаря каким-то элементам — и спонтанности, и везения, и просто какой-то креативности, — иногда очень неожиданно хорошо получается.

В этой программе какие-то произведения были включены в концерт из готового репертуара исполнителей, какие-то самому захотелось сыграть. Например, Вебера —  редкое произведение с хорошей энергией, которое наилучшим образом подходит для открытия концерта. Ну и в дуэте с мамой очень символическое открытие концерта получилось.

А потом все пазлы замечательно совпали. Наташа с Монрико решили играть «Лето» из Вивальди «Времена года». А до этого в программе была «Весна» из «Времен года» Пиацолло. И получилось очень симпатичное такое сочетание, причем достаточно контрастное, потому что одно – это классика, а другое – это XX век. И как-то очень хорошо соединились Пиацолло с Вивальди. А после Пиацолло – Стравинский, а это XX век  и хорошо подходит. Стравинский – играем русскую песню, а там еще и Скалкоттас – греческий танец, то есть какая-то фольклорная тема получилась. А после фольклора — Фазиль Сай «Соната для скрипки». А во втором отделении — сплошная романтика получилась, которая завершилась легендарным секстетом.

— Есть ли какие-то предпочтения при выборе, и как понять, что это твое произведение?

— В плане предпочтений, наверное, Прокофьев нравиться больше всего, но это очень условно. Струнный секстет Чайковского — потрясающе красивая музыка. Сейчас начал работу над «Элегией» Рахманинова. Это раннее, третье сочинение, которое он написал в свои двадцать лет, но музыка – просто неземная. Такое дано написать только приближенному к небожителям, кто где-то рядом с Богом находится. Но тут уже, конечно, влюбляешься! Когда такое вот произведение, все предпочтения становятся условными.

Или Шуберта играешь — и не понимаешь, как вообще за тридцать с небольшим лет жизни можно было написать 600 песен, столько камерной музыки, симфоний и еще много чего, притом что одно произведение лучше другого. Ну о каких тут предпочтениях можно говорить?

Если мне предоставляется выбор, то для меня важен внутренний вызов — самому себе, а затем его преодоление. Вызов обязательно должен быть. Если нет вызова, то даже не интересно. Чем больше ты занимаешься произведением, тем больше вещей открываешь для себя, которые были сокрыты и не сразу замечены, которые открываются в процессе работы. И произведения разные – одно ты можешь и за неделю выучить, а над другими приходится работать и целый год. Для меня вызов скорее не в том, чтобы покорить скорость, темп какой-то нереальный, или выбирать по принципу — чем больше нот, тем сложнее, нет! Вызов может быть связан с тем, что того же Баха гораздо сложнее сыграть, чем какое-то виртуозное, быстрое произведение. Потому что там есть совсем другие измерения. И чтобы все это расшифровать, а потом сыграть так, чтобы человек, который вообще понятия не имеет об этом, чтобы он сидел, затаив дыхание, слушал, и ему понравилось — для этого нужно мастерство. Это и есть вызов.

— Что для вас «сложная» музыка. По каким критериям определяется сложность, если не брать во внимание технику исполнения?

— Для музыканта сложная музыка в плане исполнения — это лишь дело затраченного времени, а вот для слушателя в плане восприятия — это понимание идеи композитора. Важна и степень эмоционального аспекта, например, в музыке Чайковского, где душа просто нараспашку, слушатель увлекается эмоциональным и понимает, что композитор писал про любовь. Шостакович тоже писал про любовь, но это уже совсем другая история. Романтическая музыка будет более легкой для восприятия, потому что она основана на эмоциях больше.

И любая знакомая музыка очень легко будет восприниматься. Например, все знают Первую сюиту Баха, могут, конечно, не все знать, что это Бах, — но с мелодией точно все знакомы и не раз ее слышали, и в какой-то степени это будет прозрачная музыка. А другая сюита того же Баха, которая менее известна, она может оказаться сложной, особенно для человека, не знакомого с музыкой. Сложность заключается в самой задаче музыканта – раскрыть произведение и понять, то, что хотел написать автор, пронести это понимание через собственное мировоззрение и передать его своим языком — донести это все до публики. Когда исполнитель это донесет, и публика это поймет, то тогда произведение, каким бы оно сложным не было, из разряда «сложное» переходит в «прекрасное», способное затронуть самые тонкие струны души.

— Вопрос о выборе профессии стоял когда-либо, или любовь к музыке случилась в детстве и осталась навсегда?

— Все было банально, как у всех людей бывает. Разумеется, что родители-музыканты с раннего детства приобщили меня к миру музыки. Первоначальный интерес с моей стороны закономерно перерос в другие приоритеты — футбол стал интереснее. Когда ребята на улицу зовут поиграть, а тебе надо на виолончели заниматься и гаммы играть, то естественно мысли и интересы были там, где друзья, а потом как-то пришел переломный момент. В 14 лет уже занимался из-под палки, поехал на Всесоюзный конкурс, сыграл не очень. Ко мне подошел, смутно помню, какой-то член жюри и сказал, мол, что же ты время зря тратишь, талант есть, а результата нет. И это очень сильно на меня повлияло, это стало толчком. Я поступил в музучилище при Московской консерватории, родители уехали в Грецию, а я остался один, в студенческом общежитии, где обнаружил круг другого интереса, где интересна музыка была абсолютно всем.

А это престижное заведение, и если хорошо работаешь, занимаешься, — то прямая дорога в Московскую консерваторию открыта и обеспечена. На тот момент это было пиком мечтаний любого музыканта, плюс для виолончелистов был шанс попасть к легендарной Шаховской. И я попал, причем раньше времени. Конечно, переживал поначалу, как обойдусь без школьных друзей, но время расставило все на свои места, и естественно потом уже была учеба в Московской консерватории.

— Много сказано о сакральном единстве исполнителя с инструментом. Известно, что регистр виолончели особым образом влияет на человека, и возникает привязанность, вплоть до одушевления и наречения именем. Для вас виолончель — это друг?

— Если серьезно заниматься музыкой, то начинать нужно примерно лет с пяти. А когда ты маленький, то просто смотрят на твои физические данные, по которым и выбирают. Для моих рук подошли бы виолончель или фортепиано. Пианисты в семье есть, поэтому выбор пал на виолончель – хороший инструмент.

Сейчас для меня виолончель – это уже, конечно, совсем другое дело. Это стало неотъемлемой частью меня. Вспомню, что после консерватории я уехал в Америку, чтобы продолжить обучение в аспирантуре. И мне там дали один очень хороший инструмент — вот, пользуйся, пока ты здесь. Я его так полюбил, что когда пришло время отдавать, я отдал, но у меня меланхолия была где-то полгода, наверное. Я не просто «скучал», а вообще не хотел ни играть, ни что-либо делать. Инструмент для музыканта – это очень важный момент.

Есть инструменты с историей в сотни лет, как например, антикварная виолончель Дюпора, созданная  самим Антонио Страдивари. Своё название получила в честь выдающегося виолончелиста XIX века Жана-Луи Дюпора. На инструменте имеется царапина, которую, по легенде, оставил шпорами Наполеон, пытавшийся «оседлать» этот инструмент. С 1974 по 2007 год на виолончели Дюпора играл Мстислав Ростропович, который называл этот инструмент своей «любовницей». Это самая дорогая из ныне существующих виолончелей.

— И в завершение, что удалось в преподавательском плане?

— Двадцатипятилетняя преподавательская практика, безусловно, позволила развиться в более прогрессивного педагога, обогатив и себя самого бесценным опытом. Будучи достаточно компетентным педагогом, способным практически любому ученику подсказать, что нужно сделать, мне нравиться продолжать пополнять багаж знаний и опыта и повышать собственный уровень. Продуктивное преподавание, по моему мнению, заключается в том, чтобы найти, вернее, понять, что именно нужно тому или иному ученику, и какое может быть развитие. От этого и выстраивается программа занятий со студентами, которым  преподаю в «Εράτειο Ωδείο» во Врилиссии (www.erateio.gr).

Сообщение ДИАЛОГ СО ЗРИТЕЛЕМ. Интервью с Христофором Мирошниковым появились сначала на АФИНСКИЙ КУРЬЕР.

Сегодня в АК-гостиной беседуем с официальным представителем секции Женское собрание Парламентского клуба в Греции и автором проекта — Анной Головинской, ярким представителем народной дипломатии. Анна является послом доброй воли при Философском международном форуме, она член Союза художников России, арт-директор в отделении ЮНЕСКО Пирея и островов, а также арт-директор в обществе «Эмигрант».

Какой смысл вы вкладываете в понятие «народная дипломатия»?

Как художник я бы предпочла воспользоваться художественными терминами. Для меня это картина. Я мыслю мазками, полутонами, которые наносятся на будущее полотно, обогащая его красками, цветом, штрихами… Я не хочу, чтобы мою историю переписывали для подрастающего поколения, которое отчасти лишено патриотического воспитания. И если не мы сегодня позаботимся об этом, то «кто» и «когда»? И здесь важно не опоздать — ведь ложка, как известно, хороша к обеду, и если ты не впитал правильные ценности с детства, то легко можешь стать жертвой обмана, обменяв свою шкалу ценностей на  чужую или фальшивую.

Поэтому сегодня очень важна работа секции Женское собрание Парламентского клуба “Российский парламентарий”, в которой я состою с 2019 года. Участниками секции проделана большая работа, большие усилия прилагаются для сохранения старых и укрепления новых международных связей, особенно в такой сложный для России период санкционного давления. Очень важно опираться на культурные и гуманитарные традиции нашей страны. А в условиях новой реальности требуется сплоченность и консолидация усилий, особенно в части продвижения нашей культуры и искусства за границей, считает наш председатель Людмила Семилетенко. Проекты Женского собрания идут по всему миру, открываются представительства. Я была очень тронута исполнением такого поручения в Мексике. В рамках поездки проводились и творческие мастер-классы. Это очень трогательно, когда на мастер-класс приходит более 150 детей. Сложно передать эмоции, но есть очень четкое понимание того, что очень важно продолжать и развивать подобные инициативы. И для проекта «Голос России» время, наверное, самое подходящее.

В наше переходное время постоянно расширяющегося информационного поля сложно переоценить значение народной дипломатии. Сотни тысяч людей со всего мира несут зажженный факел своей самобытной национальной культуры, и каждый из них вносит свою лепту, привнося свой камушек в создание той неповторимой мозаичной картины, которая называется человеческой цивилизацией. А информационные технологии благодаря эффекту тиражирования превращают этот камушек в яркий сияющий драгоценный камень. Такие яркие личности способствуют установлению климата взаимопонимания и мирного существования между народами. Именно поэтому, по мнению большинства экспертов и политиков, народная дипломатия стала одним из важнейших инструментов взаимодействия между странами и народами в нашем глобализационном мире.

Как родилась идея проекта «Голос России», или как вы к нему пришли?

Я являюсь арт-директором общества «Эмигрант» с 2012 года, где реализовано много интересных проектов. Идея начала вынашиваться 6 лет назад, и, могу сказать, что каждый проект по-своему причастен к идее, но, я думаю, что все началось гораздо раньше, с моего первого проекта «Мой адрес Советский Союз», когда я работала в кафе «Феспис», расположенном на той же улице, где уже много лет функционирует общество «Эмигрант». Там, в 2009 году прошла моя самая первая выставка в Греции. Совместно с хозяином — поэтом и писателем Йоргосом Влахиодисом, известным под псевдонимом Федон Аллкинос — был придуман творческий проект, названию которого послужила известная советская песня. Каждый месяц проводились творческие вечера, куда с удовольствием приходили соотечественники для общения — мы проводили выставки, он читал свои стихи, соотечественники, которые жаждали творческого общения, приходили и пели — на узбекском, молдавском, армянском и других языках. Мы собрали 13 республик. С большой матрешкой в руках сами раздавали флаеры у метро, афиши расклеивали на столбах. Количество гостей вечера могло доходить до 200 человек.

Каждый месяц делали праздник русской кухни. Греков подсадили на борщи, пельмени, блины. Особым признанием пользовалась селедка под шубой. Пельмени научилась готовить сама, лепила по 500 штук. Праздник русской кухни греки ждали. Потом мы начали делать узбекский день, грузинский день, молдавский день, и другие. После закрытия литературного кафе проект «Мой адрес Советский Союз» получил продолжение в «Эмигранте».

А «Эмигрант» является соорганизатором проекта «Голос России» с греческой стороны, не так ли?

Общество “Эмигрант” одно из старейших в Афинах, и не побоюсь сказать – самое деятельное и многочисленное. Это общество ведет просветительскую и культурную деятельность, активно участвует в гуманитарных проектах и всегда занимает активную гражданскую позицию, являясь образцовым примером народной дипломатии. В его работе участвуют не только представители практически всех республик бывшего Союза, но и большое количество греков и даже китайцы. Каждый субботний вечер в актовом зале общества на ул. 3-го сентября в центре Афин проходят творческие вечера литераторов, поэтов, музыкантов, танцоров, художников, фотографов, мастеров народного промысла. Общество организовывает показы художественных и документальных советских и российских фильмов в кинотеатре «Стар». Эмигрант один из первых откликнулся на помощь жителей Донбасса, отправляя гуманитарную помощь жителям ДНР и ЛНР с 2014 года, и в тяжелый период пришел на помощь жителям Мариуполя. Ответственной за гуманитарные проекты является зампредседателя Елена Ефанова.

Но самым известным и ярким проектом «Эмигранта» я бы назвала автопробег ко Дню Победы, в котором участвуют десятки автомашин, и что особенно важно и ценно — это участие в нем местных греков, которые способны разделить боль войны, поскольку хранят историю Калавриты — греческой Хатыни. Концертная программа «Песни военных лет» и акция «100 грамм фронтовых» на Синтагме от «Эмигранта» стали доброй традицией празднования Дня Победы в греческой столице.

Инициатива проведения автопробега принадлежит бессменному руководителю общества Ольге Ивановой. Для меня участие в автопробеге одновременно и большая честь и семейный долг. Держать в руках  во время автопробега семейную реликвию – точную копию Знамени Победы, доставшуюся мне от отца Федора Михайловича, офицера СМЕРШа — большая ответственность.

Вообще, «Эмигрант» — это отдушина и настоящий дом для наших соотечественников из разных республик, которые в составе танцевального и хорового коллективов несут свою культуру грекам. Многонациональный состав ансамбля «Калинка» при обществе, участвует в мероприятиях группы ЮНЕСКО Пирея и островов. А лично для меня работа арт-директором в Юнеско — это особые страницы моей жизни, где я могу реализовать свой художественный потенциал.

Расскажите, какие страницы жизни связаны с ЮНЕСКО?

Прежде всего, это, конечно, международный историко-культурный проект «Античность сквозь века», который прошел в 2019 г. на базе семи крупных учебных заведений России. Это был великолепно организованный проект совместно с автором Ириной Алексеевной Бондарь, почетным членом РАХ и почетным членом ЮНЕСКО в Греции, а также президентом  клуба ЮНЕСКО Пирея и островов Иоаннисом Маронитисом.

Проект, который начал свой путь из Греции и прошагал по миру, будучи призван проследить огромное влияние мифологии и искусства Древней Греции на искусство сквозь века, а также способствовать развитию международного сотрудничества в области архитектуры, дизайна и искусства. Это была незабываемая неделя с пленэром, в котором участвовали художники из 24 стран.

А на днях я вернулась из Риги, где прошел международный  молодежный  конкурс  песни Riga  Symphony, в котором я представляла в жюри отделение ЮНЕСКО Пирея и островов и некоммерческую организацию International Action Art . Среди главных целей этого конкурса —  укрепление  дружественных связей и  творческих  контактов  представителей разных  стран.

А на собственные выставки остаются силы и время?

Судите сами, в моем арсенале 68 индивидуальных выставок с 2010 года. Первая моя профессиональная выставка в Греции «Цветы в ночи» состоялась в культурном центре “Мелина Меркури” в Каллифее. Это была большая выставка в огромном зале, которая продолжалась 24 дня в сопровождении большой культурной программы. Большой резонанс вызвала эта выставка. На открытии выступали танцевальные коллективы, музыкальную программу украсили произведения, исполненные на флейте, трубе и саксофоне, и, конечно, романсы. Выставку посетили более 1000 человек. Практически все картины были проданы за первые два дня, но одну из них я оставила для себя, за которую сегодня испытываю особую гордость: в августе этого года она украшала один из выставочных стендов в Лувре.

Парламентский клуб «Российский парламентарий», членами которого являются видные деятели государственных, общественных, политических, деловых и интеллектуальных кругов, представители общественных организаций, религиозных конфессий и международных организаций, был учрежден в 1996 году с целью налаживания механизмов и условий цивилизованного демократического взаимодействия депутатов Государственной Думы Федерального Собрания РФ и общественности.Женское Собрание – это секция Парламентского клуба, призванная объединить усилия женщин — депутатов Государственной Думы и членов Совета Федерации Федерального Собрания РФ, представительниц общественных организаций и деловых структур в утверждении в мире позитивного образа России, укреплении в стране благоприятного климата общественной и деловой жизни для женщин-лидеров.Задачами Женского Собрания является построение новой платформы для обмена опытом и идеями в социальном устройстве нового мира, с помощью межпарламентских женских миссий, тематических выступлений, групповых дискуссий, раскрытие актуальных тем и признание инициатив, основанных на инновационных решениях.

Сообщение МАСТЕР НАРОДНОЙ ДИПЛОМАТИИ. Интервью с Анной Головинской появились сначала на АФИНСКИЙ КУРЬЕР.

Экспрессия современного города одних очаровывает и завораживает, других смущает и тревожит. Для кого-то город — это не просто образ жизни, это источник вдохновения, с которым связаны большие надежды. Это возможность преуспеть в делах и состояться в жизни, это смыслообразующая роскошь и блеск успеха. Жизнь струится вокруг яркими огнями, музыкой автомобилей, ароматами модных бутиков, чопорными интерьерами дорогих ресторанов, высокими зданиями, горожанами, спешащими по делам… И хочется двигаться вместе с ней.

А для кого-то городская жизнь — не иначе как замкнутый круг, в котором динамика повседневности превращается в монотонный день сурка. Городская суета утомительна. Хоть и прекрасная, но все же каменная, архитектура вызывает ностальгию по природе, и жизнь проживается как бы «не своя», а в заданных кем-то правилах и ритмах.

Неразрешимость такой дилеммы стала главным мотивом и нового сюжетного цикла картин современного греческого художника и скульптора Фомаса Турнавитиса «Объятие», презентация которого состоится в Афинах в четверг, 30 сентября 2021 года, в 19:30 в рамках персональной выставки в главном зале Myró Gallery.

В продолжение сюжетного замысла своего цикла «Святые на карусели», получившего широкое признание, художник по-прежнему пытается донести до зрителя ценность традиций, которые он перенял в семье как святую заповедь. Для него по-прежнему важно побудить зрителя к осознанию, что отказ от традиций, которые должны быть свято чтимы, приведет к невосполнимой потере исторических корней. И тогда карусель повседневности закружит и поглотит самое ценное и святое, что есть у людей, — веру, свободу и радость жизни. И поэтому в новом портретном цикле «Объятие» обитатели города прижимают к груди и держат в своих объятиях все, что действительно ценно, что ни при каких обстоятельствах нельзя потерять. Это и букеты цветов как символ добра, красоты и радости жизни, и рыба как символ морской и православной Эллады, и, конечно же, младенец, в руках которого и будущее страны, и продолжение человеческого рода, и свобода, подаренная Творцом мира сего. И главное свойство Творца есть любовь. И картины «Объятия» наполнены любовью и светом.

 

 

А недостаток объятий в современном городе — это довольно серьезные симптомы, которые не могут не беспокоить людей, искренне любящих свой город, свою родину. Ведь в процессе потребления обезличенного космополитичного продукта исчезает необходимость создавать и творить свое аутентичное, самобытное. Да и зачем выдумывать велосипед, если можно просто взять готовый и ездить? Ну по большому счету разве так важно, что он не того цвета, какого хотелось бы, или педали слишком большие и ездить не очень удобно, или сиденье рассчитано на более рослых или невысокого роста людей?.. Да и, в конце концов, понятие о комфорте слишком условное, и вот здесь начинается самое главное — появляются сомнения! Может, дело во мне? Может, мне нужно изменить свои представления о комфорте, о счастье, о родине, о традициях, о ценностях?.. Может, действительно не так нужны и важны традиции, которые передавались веками из поколения в поколение, может, проще принять, что они, наконец-то, уже устарели, чем отстаивать их и сохранять для своих детей?

А может, еще не поздно остановить сомнения? Может, еще реально вернуть радость жизни, кричат картины художника, наполняя пространство вокруг себя энергией света, добра и радости?

В сюжетный замысел этого цикла включены портреты и фрагменты городской жизни, детали быта, атрибутика современного города, переживания и эмоции горожан, которые наполнены энергией света, цветом радости и одновременно ностальгирующими нотками грусти по уходящим в историю добрым идеалам той Эллады, которая так знакома, близка и понятна всем с детства. И утрата этой самобытности в глобальном потоке пришлых ценностей уже ощутима.

 

Фольклорный синтез атрибутики городских символов с моральным кодом и традициями греков воссоздают в искусстве Турнавитиса образ той самобытной Эллады, которая сегодня стоит на пороге забытья. Портреты людей, купающихся в солнечном свете, сокрыты под разноцветной паутиной вибрирующих линий, которые как бы размывают четкие очертания контуров, наполняя картины вибрирующим движением, словно подтверждая тем самым зыбкость изображенного сюжета современного города с уже пошатнувшимися вековыми устоями.

Благодаря нестандартной технике вибрирующие мазки оживают в радужном цвете, создавая энергичные и рельефные картины, которые дарят ощущение радости жизни.

В портретном цикле «Объятие» художник выбирает и как бы хаотично соединяет орбиты и точки, которые образуют лица внутри лица, места внутри места, моменты внутри момента. Эти подвижные линии изображают трагедию внутренних конфликтов человека, словно пытаясь придать некую форму, очертить и утвердить ее в этом бесконечном разнообразии колебаний собственного сознания. Жестко и четко очерченные фигуры не имеют ничего общего с бунтом эмоций и мыслей, отталкивающихся от неких условных границ и преград.

 

Скромность и лаконичность в выборе изобразительных средств виртуозно восполняются в солнечной и яркой по-детски цветовой палитре полотен, на которых художник воссоздает картины городской культуры, греческих традиций, фольклора и истории в удивительно свободной и легкой манере, не боясь играть с цветом и формой. В результате его города и портреты получаются удивительно динамичными и будто наполненными внутренним светом. Его стиль — это гармония сочных красок и подвижных силуэтов. Радостные, энергичные, наполненные жизненной философией картины Фомаса Турнавитиса полюбились почитателям искусства во всем мире.

 

 

 

 

Фомас Турнавитис:

«Я пишу портреты, отрицающие статику. В моих картинах все окутано вибрацией и движением, сквозь которые пробиваются портреты и сюжеты».

 

 

 

 

 

 

 

Фомас Турнавитис родился в 1981 году в Афинах в семье греков —переселенцев из Малой Азии. Профессиональное образование получил в Греции и Европе. В 1999 году окончил скульптурную школу Никоса Стефаса в Афинах, в 2005-м получил степень бакалавра в области изобразительного искусства в Школе изящных искусств в г. Дерби в Великобритании. Продолжил учебу в аспирантуре Philharmonie в Берлине. Работал преподавателем семиологии в ДИЭК в Волосе и преподавал искусство в частных и государственных школах в 2008–2010 годах. Фомас Турнавитис провел более 33 персональных выставок, участвовал более чем в 130 групповых выставках в Греции и за рубежом. Его работы находятся в частных и государственных коллекциях в Мельбурне, Нью-Йорке, Майами, Париже, Мюнхене, Монпелье, Вене, Пусане, Цюрихе, Братиславе, Загребе, Никосии, Сараево, Афинах и в других городах. Живет и работает художник в собственной студии ТТ в Пилионе.

Сообщение ГОРОД ОБЪЯТИЙ Фомаса Турнавитиса появились сначала на АФИНСКИЙ КУРЬЕР.

Изначально выставочный проект авангардного направления создавался под американского зрителя, и выставку «Russian windows» намечалось провести в галерее современного искусства в Нью-Йорке. Но в декабре прошлого года состоялась торжественная презентация Международного Византийского клуба в Афинах, и руководством клуба было решено провести выставку сначала в столице Греции.
Художник проекта Анатолий Ашаков и продюсер проекта Сергей Геннадьевич Лаковский, будучи в числе основателей и соучредителей, как Московского Византийского клуба в Москве, так и Международного Византийского клуба в Афинах, — выбрали для организации выставочного пространства клубные офисные помещения, расположенные в одном из аристократических районов Афин, чтобы посредством выставки презентовать клуб и его адресную прописку.
Хотя не все картины написаны на византийскую тему, тем не менее, выставка запланирована в рамках культурной программы клуба.

По мнению художника, мир искусств на современном этапе затерял Большое Слово, соблазнившись пеной зыбких иллюзий. И кисть, влекомая волной суетных чувств, уподобившись сноубордисту, расписывает фантазийные сюжеты, собранные из обломков сознания, басни слепых мудрецов, искривленную реальность уродливых образов, припудренную фальшивым золотом краски, — она являет нам идолов с личинами божественной истины.
В полотнах Ашакова «Незримый дух, соблазненный играми ума с языческими музами многоликих чувств, ищет все более новые формы, заполняя их извращенными композициями, в которых пресытившаяся и утяжеленная плотью, очнувшаяся Душа начинает стенать, ища обещанного Ей бессмертия. И, словно Фома, вкладывая пальцы в раны воскресшего Христа, порой желает приобщиться Слову, победившему смерть».

— Как или почему Вы стали художником? Когда Вы начали рисовать? Когда написали первую картину?
— Художником, пожалуй, стал с рождения, рисую с тех пор, как только сумел взять в руку карандаш. Учился, самообразовывался и до сих пор нахожусь в том же творческом состоянии с одним лишь преимуществом — таким, как жизненный опыт и приобретенная вера. При наличии зрелого мировоззрения и устоявшейся морали, живописное ремесло, как ни какое другое позволяет пользоваться международным языком образов, через живописные полотна опубликовывать свой взгляд и высказывать мнение на события в мире и социуме.
Первую свою серьезную картину с концептным взглядом я написал в 1984 году под названием «Ева». В 1989г. поступило предложение эмигрировать в США и провести авангардные выставки в семи городах Америки, таких как Вашингтон, Сиэтл и др. В то время патриотические чувства превалировали над тщеславными позывами покинуть Россию и я остался в разваливающемся СССР. Картина же «Ева», оказалась в частной коллекции в Сиэтле. На вопрос, какая самая любимая ваша живописная работа, могу ответить однозначно — это «Ева».

— К какому направлению Вы относите свое творчество? Ваши картины наполнены философией, пронизывающей «над» реальностью, эдаким взаимопроникновением пространства, времени и бытия, которое создает особую философскую реальность в Ваших работах. О чем эта философия? Какую главную мысль Вы хотите донести до зрителя? Какой смысл и назначение Вы вкладываете в свою деятельность?
— Мне не чужд классический, академический мир искусства, но я предпочитаю более свободные рамки выражения авангардного модернизма, позволяющего более быстро и оперативно реагировать на стремительно развивающиеся события уже ушедшего ХХв., перенесшего свои поросли в ХХΙ век.
Часть картин, предлагаемых зрителю, выполнена в смешанной технике, в стиле, который я называю «метафизическим реализмом». Прочие работы созданы в различных стилях, как, на мой взгляд, потребовал сюжет задуманного произведения. Обладая универсальным взглядом, я не закрепощаю свое творчество в рамки узнаваемой индивидуальной стилистической подачи.

— Как рождаются идеи для картин? Что вкладывается в концепцию идеи — философская мысль, которая развивается и приобретает формы во время написания картины или Вы сразу видите законченный образ, который воплощаете на холсте?
— Изучая мировую историю, библейскую историю, археологические изыскания, культуру этносов, философские направления, пророчества святых и пр., я в сентенции своего творчества пытаюсь охватить объемным взглядом вектор промысла бытия, вышедшего из прошлого, пронизывающий настоящее и стремящийся в предполагаемое будущее.
Отсюда картины со сложным концептуальным взглядом, что называется « не для глаз, но для пытливого ума» внутреннего человека.
Не думаю, что эти картины для широкой публики, но Греция полна сюрпризов, и я надеюсь, что они оправдаются.

— Могли бы Вы назвать особенные для Вас или самые любимые свои работы? И почему именно эти картины выделены в Вашем творчестве? Над чем работаете сейчас и какие планы на ближайшее будущее?
— Специально для презентации Международного Византийского Клуба в Афинах, проходившей в декабре 2016, была создана картина с византийской тематикой, которая имеет двойное авторство. Соавтор — художник из Москвы Карина Дрыганова, привлеченная сейчас к художественным проектам Византийского Клуба. Живопись в виде византийской мозаики была выбрана не случайно — это передает фундаментальность тематики.
Мы углубились в тему, и родилась идея картины — венчание русского царя Ивана ΙΙΙ и греческой византийской принцессы Софии Палеолог. Картина является символической визуализацией исторического факта.
Также, Карина Дрыганова является известным дизайнером одежды. Открытие выставки запланировано как культурное событие, и в начале мероприятия состоится показ авторских изделий с эксклюзивной ручной вышивкой в русском стиле.
В дальнейших планах выставочного проекта — показ экспозиции по ряду стран Европы. После Афин выставку предполагается перевезти на Кипр, где город Пафос в этом году объявлен культурной столицей Европы.

Сообщение Под пудрой фальши золотой появились сначала на АФИНСКИЙ КУРЬЕР.

Гармония в трех измерениях.

Настоящее искусство не подвластно ни времени, ни мировым политическим или экономическим тенденциям. Находя искренний отклик в сердцах людей, истинные произведения искусства проносят сквозь века чувства и эмоции автора, обнажая его душу перед зрителями вновь и вновь. И настоящий художник, как и подобает творцу, находится всегда вне или над временем, местом, формой и содержанием. Ведь умение творить — это прежде всего способность замечать, подмечать и выделять сущность окружающего мира и его философский смысл. Художник сотворяет миры — реальные и фантастические, иррациональные и параллельные, способные переносить зрителя в пространстве и времени, в содержании и форме, существующие в нашем воображении и наполняющие особым смыслом мир, в котором мы живем.
Едва переступив порог арт-галереи «Апостол», преображаешься в обитателя некого мира гармонии, где слишком много солнечного света, музыки, природы и подводного мира, застывшего в движении, да и самого движения, которое ощущаешь в особой энергетике, в позитивном излучении, исходящем от каждого предмета, созданного руками известного греческого скульптора и художника Апостола.

В каждом произведении этого талантливого и великого человека заложен глубокий философский смысл — выражены многогранность и величие нашей жизни и в то же время сделан акцент на ее хрупкости и ценности, заставляя нас задуматься о непреходящих истинах и открывая свою душу, отвечать его творениям, выраженным в причудливых формах и способным отразить эмоцию.

В арт-галерее Апостола зритель попадает в особый мир, где царит гармония — абсолютная и неподдельная, присутствующая в каждом уголке. Гармония в природе заложена в самой идее сотворения нашего мира, где всё уравновешено и гармонично взаимодействует между собой. В музыке — особая гармония, выстраивающая в нотный ряд эмоции и чувства, способная затрагивать и приводить в движение нашу душу, а гармония загадочного для нас подводного мира манит нас непонятным образом, ласкает слух накатывающей волной и устремляет наши взоры в безмятежную и бескрайнюю изумрудную синеву.

Работы Апостола полны жизни, ведь главный художественный элемент здесь — движение. Предметы словно проникают в окружающий мир, вовлекая в диалог посетителя. Скульптура огромного красного яблока не просто очень красива, но яблоко тоже движется, оно проникает в пространство вокруг себя, как бы покидая себя, выходит за собственные рамки, оно в движении — оно разрезано, а дольку автор небрежно положил рядом, позволив зрителю домыслить сюжетную идею.
Здесь всё находится в движении, это движение радости, движение торжества позитива, торжества света. Отовсюду на зрителя струится музыка, выраженная в причудливых формах и загадочных образах. Она то спускается с объемных картин, то, вырываясь из-под земли от самых корней деревьев, резко стремится вверх, обволакивая крону.
Вообще фигуры в скульптурных композициях художника не просто оживают, они взаимодействуют со зрителем, вовлекая его в свой замысловатый сюжет. Посетитель тоже действует, душа его словно приходит в движение — он слышит музыку, он чувствует утонченность движения смычка по струнам и виртуозность игры фрагмента руки по клавишам, он сам начинает считывать ноты, так искусно встроенные в фантастические композиции.
Зритель видит движение осьминога, которое художник запечатлел в прекрасной скульптуре. Не каждому выпадет увидеть бегущего по морскому песку осьминога, но с художником, способным видеть, жаждущим и открытым впечатлениям, происходят чудеса, в которые он верит, и сама жизнь преподносит ему сюжеты, которые вдохновляют на новые творения. А верит он в красоту, доброту и гармонию.

Апостол считает себя приверженцем греческой традиции в современном искусстве, где в основе лежит отражение прекрасного, отражение эталона, отражение образа, на который зрителю хочется быть похожим, в противовес западноевропейской тенденции отражать какофонию с элементами негатива, тревоги и страха. Его жизненная позиция — не замечать некрасивое, непозитивное, нерадостное, а значит, не впускать в свою жизнь нежелательную действительность. И это ему удается полностью. Легкий в общении, светлый, с большим чувством юмора, столь просто и непринужденно рассказывает он о себе и созданных образах, в которых ему особенно удалось создать торжество позитива.
Это и обволакивающие движения змея вокруг яблони в композиции «Запретный плод», глядя на которого мы словно начинаем ощущать его соблазнительную силу, но тональность, в которой он выполнен, и расставленные цветовые акценты наделяют его особым светом и радостью. Лично мне показалось, что великий искуситель всего человечества позабыл о своем главном назначении, а возможно, это надежда, что человек, пребывая в красоте и гармонии, способен победить разрушительную силу искушения.
И словно в подтверждение зритель видит пылающее пианино, но оно играет и торжествует, и мы слышим музыку, и невольно хочется присоединиться и сыграть партию в четыре руки. А значит, все пылающие невзгоды можно преодолеть, если, подобно мастеру, отрицать всё нерадостное, ненужное, потому что ненастоящее.
Еще одна особенность его творчества — использование исключительно натуральных материалов. Апостол категоричен по отношению к современным синтетическим материалам и инструментарию. В том, что в нашем мире всё выходит из земли и туда же и возвращается, он видит глубокий смысл и принцип сохранения гармонии.
В своих работах он использует лишь натуральные и драгоценные металлы, хрусталь, дерево, благородные природные камни — только то, что существует в самой природе.
На вопрос о том, кто или что является его музой, где и как он черпает вдохновение и новые образы, Апостол ответил: «Сама жизнь и гармония этого мира! Гармония многогранна, и я выбрал для себя лишь три ее грани — море и природу, водную и земную стихию и музыку — стихию эмоций и душевных переживаний». По его мнению, этого более чем достаточно, чтобы прожить жизнь в радости и гармонии с окружающим миром и с самим собой.
Сегодня Апостол работает над новой серией картин о русалке, играющей на струнных инструментах. Возможно, в этих удивительных картинах, где оживает прекраснейшее мифологическое существо, художник решил соединить воедино все три грани его гармонии. Он переносит музыку в подводный мир, соединяя его с природой женской, и в центре мироздания картины, где слиты воедино и природа, и музыка, и море, — гармония и радость возведены в абсолют!

Апостол родился в маленькой деревне в южной части Греции, где с самого детства он проявлял свой талант, выигрывая одну за другой награды в конкурсах местной художественной школы. Получая образование в сфере бизнеса в США по настоянию родителей, Апостол не забывал и о том занятии, которому навсегда было отдано его сердце, — скульптуре и живописи, проводя все больше времени в художественных студиях Нью-Йорка. Получив высшее образование, Апостол возвращается на родину в Грецию, где открывает первую выставку своих работ в отеле Hilton Athens. Понемногу продавая свои работы клиентам по всему миру, Апостол вскоре становится знаменитым и через некоторое время начинает организовывать выставки своих произведений в европейских и североамериканских галереях. Передавая через созданные им скульптуры и предметы живописи свое мироощущение, Апостол дарит каждому из нас частичку своей души, предлагая, заглянув в нее, лучше понять себя.
Апостол является признанным мастером по созданию предметов искусства из хрусталя и бронзы. Использование в работе именно этих материалов Апостол объясняет так: «Для меня искусство — это чувства, эмоции, символы, а хрусталь и бронза символизируют два мощнейших элемента природы: воду и камень».

В его произведениях вода приобретает совершенно другой образ: из струящегося жидкого флюида она превращается в твердый, как камень, кристалл, который мы можем ощутить своим прикосновением.
Бронза, сильный и твердый материал, напоминает нам о жесткости реального мира, в то время как кристалл олицетворяет собой хрупкость мироздания и ценность человеческой жизни.
Созданные Апостолом произведения поражают своей простотой и незамысловатостью, но в то же время воплощают в себе радость и смысл жизни, наполняя нас любовью ко всему живому.
Представленная Апостолом коллекция работ под названием «Из пепла к новой жизни», созданная из бронзы и корней тысячелетнего оливкового дерева, которые художник взял на месте пожара в 2007 г., произошедшего недалеко от его родных мест, выражает мольбу природы о помощи, взывая к нашей ответственности перед ней.
Среди других его работ стоит отметить «Морскую коллекцию», в которой воплотилось истинное восхищение морем как огромной всеобъемлющей силой. Сказочные русалки оживают в его великолепных произведениях из хрусталя и бронзы. Благодаря произведениям Апостола перед нами открываются двери в чудесный подводный мир, где жизненная гармония воплощена во всей своей красоте и прелести.
Будучи любителем музыки еще со школьных времен, Апостол создал серию «музыкальных» скульптур из бронзы и хрусталя для истинных ценителей прекрасного мира музыки. Хрусталь в этих произведениях олицетворяет собой невидимый поток музыки, который, достигая нашего слуха, погружает нас в чудесный мир звуков, а бронза, являясь практически нерушимым материалом, символизирует великую силу музыкального искусства, которая может привнести в нашу жизнь покой и настоящую красоту.
Расширяя границы обыденного и соединяя реальные и вымышленные миры, произведения Апостола находят отражение в наших чувствах и душах, помогая находить в окружающем нас современном мире истинные ценности.
Стоимость скульптурных произведений Апостола достигает сотни тысяч евро, а акварельную живопись и настольные статуэтки можно приобрести по ценам, вполне доступным, — за несколько сотен евро, но то бесподобное воплощение красоты, мира и величия, которое произведения Апостола привнесут в ваш дом, а вместе с тем и радость, и движение позитива и торжества света поистине бесценно.

Сообщение Арт-галерея Apostol в Афинах появились сначала на АФИНСКИЙ КУРЬЕР.